O senhor Arnold Alois Schwarzenegger está de volta. Depois de um intervalo de 10 anos para fazer o serviço político obrigatório do clã Kennedy, Arnie volta ao cinema de acção e da violência gratuita. Estaria a mentir se dissesse que este regresso me é indiferente, afinal de contas estamos a falar do herói da nossa adolescência, o protagonista dos Terminators, de Commando, Predator, True Lies, Total Recall ou Conan (o que não é homem-rã). Impulsionado por esta nova onda de “I’m too old for this shit” movies, Schwarzenegger optou por fazer mais uma perninha a assentar bofetada de criar bicho, distribuir balázio e atirar oneliners relacionadas com os problemas da velhice.

Depois de dois Expendables já reduzi bastante as minhas expectativas em relação a comebacks. O conceito é interessante, os nossos heróis de outrora no mesmo filme a fazer o sabiam fazer tão bem. É, no entanto, necessário algo para colar tudo. Um argumento que consiga, no mínimo, arranjar uma razão para que aquelas pessoas estejam juntas no mesmo espaço. Um motivo plausível para que honrados anciãos tenham saído da reforma para devastar propriedade privada e assentar sopapo indiscriminadamente. É preciso também saber gerir os egos, dar tempo e lugar a que estes mastodontes da chacina abram as suas asas e voem, nem que seja para atravessar gloriosamente a estrada. Os filmes foram divertidos e nostálgicos, mas fica sempre aquela sensação de desânimo, ainda que dissimulada em orgulho ferido e em memórias desfeitas.

Em The Last Stand foram aplicadas valiosas lições aprendidas nos Expendables, à excepção das omnipresentes piadas do reumático. Arnie não abocanha o filme todo e dá espaço aos seus confrades para brilhar, sejam eles vilões ou good guys. E só o faz para que se perceba que já não tem idade para ser o John Matrix, já não pode correr e saltar, decepar inimigos com uma mão enquanto arranca estilhaços de granada do próprio corpo usando os dentes. Digamos que se trata de um John Matrix na reforma. Este tipo de liberdades tem os seus nefastos efeitos secundários. Dois, pelo menos. O mais irritante sidekick de todos os tempos, o insuportável jackass Johnny Knoxville. Superlativo e facilmente destacável em caso de haver necessidade de cortar 20 minutos numa edição mais curta. Forest Whitaker… O que dizer? Bem, o estilo pachorrento, ligeiramente estrábico e intuitivo não cabe aqui. Ficar~lhe-ia bem o papel principal num remake de Colombo.

É de louvar que Arnie tenha regressado ao activo num filme R Rated, o nosso “Maiores de 16″. O que significa que não há entraves à linguagem mais dura e à violência menos contida. Ultimamente os estúdios têm abandonado este modelo de rating porque lhes afasta uma faixa demográfica muito importante das salas, os putos ranhosos. É um formato mais livre para os visionários alargarem os horizontes da imaginação sem se preocuparem com as susceptibilidades da efervescência adolescente. Aqui é um ponto ganho, até por que umas pernas sem torço a dar os últimos passos na sua carreira de vilão é sempre algo poético de ser ver.

É um filme simples, sem tons de cinza, de bons e maus, branco e preto, sem as complicadas gradações de personalidade que permitem que se possa matar sem remorso. Afinal de contas era apenas mais uma erva daninha da sociedade. Arnie diverte-se e nós também. Porque é curto e directo ao assunto, porque é brainless e podia ser horrível e detestável. Mas não é porque tem o nosso paizinha cinematográfico e nós estar-lhe-emos sempre gratos por isso.

Nota: Em Portugal levou uma classificação para “maiores de 12″, que as nossas crianças não são piegas.

Para os aficionados de longa data do cinema de terror é mais que óbvio que o género está morto. Não no sentido de morto, enterrado e esquecido. Diria que está em coma induzido e mantido no limbo da ausência de criatividade, a canibalizar-se, sofre de doenças de consanguinidade. Arriscar sai caro e usar as mesmas técnicas para assustar teenagers de 14 anos funciona sempre, porque todos os anos há um lote novo de teenagers que nunca foi impressionado antes. Para nós, os que seguem o género desde o início dos tempos (videoclubes, vá!), pouco material novo existe. É mais rentável para mim apostar em clássicos que escaparam do que investir o meu precioso tempo a ver templates açaimados e letárgicos. A culpa, na minha humilde opinião, é do Saw,  do gore CGI e da banalização do jump scare.

E é por causa desta moléstia que assola o cinema de terror que vivemos sempre na esperança que venha um ou outro filmezinho quebrar esta boçal onda de filmes aguados. Ainda nesta linha de raciocínio surge Mama, habilmente publicitado segundo as leis do marketing moderno, como o estandarte “Guillermo del Toro” bem içado no alto. Bom orçamento e boa vontade, a única coisa que um realizador sem experiência pode fornecer.

Com grande foder vem grande resfonsabilidade e era de um bom filme que estávamos à espera. E o filme começa bem. A introdução é negra, violenta e absolutamente tenebrosa. Mexe connosco porque se tratam de crianças muito pequenas que podiam ser nossas filhas, sobrinhas, vizinhas ou irmãs. O buildup é exemplar ao ponto de nos cortar o coração ver aquela situação. A partir daí estamos conquistados, estamos a bordo do filme preparados para sofrer com a viagem que os nossos heróis têm pela frente.

É nesta altura que o filme deita tudo a perder. A começar pelos protagonistas. Se aceitamos plenamente que Jaime Lannister seja um family man de grande coração, já custa um bocado a engolir a gaja do Zero Dark Thirty e do Tree of Life a ser uma mimada baixista de uma banda punk, com traumas emocionais e problemas de primeiro mundo. Claramente um erro de casting que até poderia ter escapado não fosse ela ter sido catapultada entretanto para o sucesso das A-Lists de Hollywood. É muito provavelmente um “acidente” de percurso involuntário, ainda assim irritante e omnipresente. Não nos conseguimos abstrair. Pior que isso é que as calças lhe ficam mal e todas as cenas que envolvem a banda punk são de cortar os pulsos rentes.

O outro erro em que o filme cai é no excesso de grafismo para o final. Todos sabemos que o terror vem do desconhecido. O que nos assusta é o que não conseguimos ver, o que está no escuro, o que não se pode controlar, a incerteza da natureza do oponente. Talvez pressionado pelo estúdio e pelo facilitismo dos efeitos especiais, o filme acaba com um CGI fest que além de não assustar ainda dá para umas risadas onde não deveriam existir. Jump scares a mais, com o tradicional gatinho a aparecer ou o fantasma no espelho não ajudam.

Ainda assim é um filme de terror muito acima da média do que actualmente nos polui as salas, os video on demands, as prateleiras dos supermercados e até os sites de pirataria. Devo ainda acrescentar que os making ofs e extras do filme são muito interessantes, talvez até mais do que o próprio filme nalgumas partes.

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Esta pretende ser uma primeira abordagem a um velho tema do universo da critica cinematográfica, que é uma segunda avaliação a um filme e um resultado completamente diferente da primeira. Todos já passámos por situações similares. Um filme que foi bom (ou mau) e que a uma segunda visualização, depois de um considerável período de tempo, afinal teve impacto completamente diferente. Os factores são vários, conhecidos e comuns. A companhia, o estado emocional ou hormonal, influencias psicotrópicas e índice de embriaguez, o peso do hype ou o amour (toujours l’amour). São influências temporárias que nos toldam o juízo e nos fazem, afinal, humanos.

Hoje falo em concreto do filme de Chris Marker de 1962, La Jetée, uma pequena jóia de valor incalculável. Conhecida por muitos como sendo a fonte de inspiração daquele que haveria de ser o Twelve Monkeys de Terry Gilliam, La Jetée é algo de muito mais abrangente. É uma curta história futurista (de meia hora) de um prisioneiro de guerra usado para testes científicos no âmbito das viagens no tempo. Faz incursões no passado e no futuro e acaba por se afeiçoar a uma jovem donzela da timeline actual (dos anos 60, vá!). A estética do filme é muito própria, pois trata-se de um slideshow narrado. Imagens de extrema qualidade que contam uma interessante história. Há apenas uma sequência de live action em que a moça abre os olhos franceses cheios de líbido feroz.

O que me traz aqui hoje é a disparidade nas minhas análises das vezes em que o vi. A primeira vez foi na altura da estreia de Twelve Monkeys. Uma sessão de cinema do submundo académico que nem chegou a lotar a minúscula sala onde foi projectado. Os habituais intelectuais dos óculos de massa de uma época pré-blog, pré-hipster, pré-facebook. Havia IMDb em HTML e gifs animados. Era a malta dos diversos núcleos das associações académicas, dos jornais de faculdade, das gajas que passavam por fases existenciais que achavam que depois de experimentar todos os tipos de macho, o intelectual seria o perfeito para casar. Seis shots de vodka e nove imperiais depois haveriam de estar de joelhos a fazer um felácio a um talego de desporto ou a um segurança da discoteca da moda e a chorar lágrimas de angústia por cima da maquilhagem que se estende até à base do rosto, qual Alice Cooper em final de espectáculo.

Esse primeiro visionamento de La Jetée deu origem a longas conversas pseudo-científicas de teorias de viagens no tempo e física quântica simplista e pueril movida muitas vezes a álcool e THC de péssima qualidade. Foram largas as semanas em que se multiplicaram as implicações das viagens no tempo, do efeito de matar o próprio pai antes da nossa concepção, as tropelias do gatinho de  Schrödinger e no que faria Einstein se afinal a ciência vier a dar razão aos motores Warp idealizados por Gene Roddenberry. Os plot holes, os paradoxos, os what ifs, cenas man cenas…Bom, e era isto que nos fazia passar as longas noites em bares mal iluminados e provavelmente ilegais onde havia sempre uma insuportável criatura mal lavada que insistia em nos importunar com uma guitarra acústica e as suas versões ainda mais desafinadas de Nirvana.

Voltados estes anos todos, em que os nossos sonhos mais loucos se perderam nas areias do esquecimento e outros mais realistas e humanos os substituíram para nos tornar em seres funcionais e normalizados perante uma sociedade que não dá grande tolerância á diferença, voltei a ver Jetée. E tive que o fazer duas vezes seguidas.

Eis que o filme se revelou como sendo uma versão diferente de si próprio. O peso da idade e da experiência dos anos fez-me compreender de modo totalmente díspar daquele que foi uma trip “bué espectacular” em 1995 (talvez 1996). O que me deslumbrou desta vez? Todas as considerações acerca de viagens no tempo me passaram ao lado. Implicações, possibilidades, paradoxos, bifurcações e o loop que encerra a narrativa. O que me fascinou foi a história de um homem, o protagonista que aprendeu a viajar no tempo, que foi criando laços e ligações nas suas viagens. No final, quando lhe foi dada a possibilidade de ter tudo, de ganhar a imortalidade, da segurança, fortuna e glória, o que é que este homem escolheu? Qual foi a sua decisão final? Este homem escolheu voltar à mulher que aprendeu a amar, voltou para um tempo que sabia ser fatal, curto e sem futuro. Mas este homem trocou tudo por um momento, que sabia curto, por um pouco de amor. E não estou a ser lamechas, porque quem não precisa de um pouco de aconchego no seu coração? O próprio Nietzsche que negou por completo o sentimento e defendeu a causa emocional Terminator enlouqueceu por causa de uma mulher e passou os últimos anos da sua vida a escrever o seu nome nas paredes com fezes e sangue.

Essa é que é essa. Deixo-vos o filme integral no Youtube com legendas em Inglês. Cultivem-se suas bestas, porque este é um dos melhores filmes de todo o sempre. Powerpoint style. E é com amor que me despeço, para cada um de vocês que estão desse lado, estejam nus ou vestidos, brancos ou menos brancos, gostem de mulheres, homens ou animais de médio porte em estado de decomposição. Tudo é amor.

Koniek.

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“Esperei 13 semanas para conseguir alugar o primeiro Terminator, paguei uma multa avultada porque tive medo de entregar o Exorcista de noite, ouvi ralhetes humilhantes porque não rebobinei, estive 3 horas na fila para conseguir bilhete para a estreia de Back to the Future 2, esperei para ver a estreia nacional do Phantom Menace em Outubro de 1999 apesar de o ter no meu disco rígido desde Maio, ri e chorei, amei, apalpei, perdi metades inteiras de filmes com a língua a dançar na boca da minha acompanhante. Presenciei coisas que ninguém acreditaria. Um projector que pegou fogo a meio do  Blair Witch Project, uma velha que colapsou no Schindler’s List, duas primas que nunca tinham ido ao cinema a chorar os 127 minutos inteiros de Passion of the Christ porque nunca duvidaram da veracidade da escrituras sagradas. Todas estas experiências se perderão um dia, como lágrimas na chuva. É altura para falar da importância dos clássicos.”

A pressão que é exercida junto dos média por quem faz e distribui cinema vai no sentido de fazer o público acreditar que os filmes que estão a estrear semanalmente nas salas são o culminar de 100 anos de cinema, o constante pináculo da evolução artística e tecnológica. O luxo sensorial superior a toda a lixeirada que estreou até ontem à tarde. E com este vórtice constante de estreias, críticas, sugestões e  polémicas, pouco se fala de cinema que não é dos últimos 365 dias. E isto não educa quem quer ver bons filmes. Aqueles que vivem na dependência da opinião de outros para escolher as suas películas tendem a acreditar que se não é destes últimos tempos, o filme não presta.

Surge esta conversa acerca da importância da lista dos top 250 da IMDB e o facto de ser permeável à histeria colectiva e às tempestades mediáticas. Não são raras as vezes em que esteja lá um filme temporariamente durante uns dias ou semanas só porque a histeria colectiva mediática condiciona as pessoas a acreditar que aquele filme é um verdadeiro clássico digno de top 10 de todos os tempos. Depois o tempo devolve a justiça e esse filme acaba por cair.

No meio de tanto filosofar acerca de tops e da sua importância defendi que deveria de haver um critério de maturidade para listas que pretendem reunir os melhores entre os melhores de todos os tempos. Um filme só deveria ter o direito a ingressar numa dessas listas se tivesse mais que X anos, sendo que X seria (para mim) 10 anos. O tempo de um filme amadurecer e se perceber a sua resistência ao envelhecimento.

E por isso as pessoas devem ver os clássicos, filmes que resistiram à prova do tempo, que não estão datados depois de passarem uns anos por si. Filmes que geram tanto ou mais prazer a ver que estreias contemporâneas, filmes cujos elementos inovadores, performances marcantes, pontos de vista pioneiros, excelência estética, narrativa única, valor histórico ou outras tantos factores que resistem ao tempo sejam proeminentes.

Não falo do ponto de vista meramente académico, quer dizer, as pessoas não se devem maçar a ver coisas que não gostem. Mas devem petiscar aqui e ali, aceitar sugestões, intercalar cinema recente com obras clássicas. Perceber a ligação entre o Alien e o Prometheus, perceber a influência de Rashômon em centenas de obras contemporâneas, perceber onde reside o génio de George Lucas apesar de todas as asneiras que cometeu num passado mais recente, apreciar a cinematografia a preto e branco e compreender as suas vantagens chave, o valor da composição e enquadramento, aceitar que um guião é imensamente mais importante que efeitos especiais e perceber que não são os actores que fazem um bom filme mas sim o realizador ou o argumentista. Aceitar que um filme pode ser excitante sem tiroteios nem explosões, que um “filme parado” não é necessariamente um filme mau. E por aí fora…

Porque não nos devemos ofuscar com flares, com os circos mediáticos, o brilho das coisas novas e, principalmente, cerimónias onde as pessoas que produzem os filmes votam nesses mesmos filmes e criam a ilusão de que cinema é apenas aquele pequeno emaranhado de filmes genéricos baseados noutros filmes genéricos e as suas protagonistas anoréticas seminuas que defendem a moral e bons costumes com o estômago cheio de esperma de vários homens diferentes. E, muito provavelmente, um cavalo.

Alguma vez vos contei a história do homem que ensinou o seu próprio cu a falar? Fica então para outro dia.

Koniek

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Era uma tórrida tarde de domingo, num dos verões mais quentes que há memória. Tobe Hooper, de olhar pasmo e inquiridor, contemplava fixamente uma bela peça de engenharia sueca, um invejável motosserra Husqvarna. Numa mega loja de ferragens, algo que apenas podemos visualizar invocando o nosso imaginário hollywoodiano, o jovem Tobe fantasiava: “E se eu agarrasse nesta bela motosserra e abrisse caminho daqui para fora à força? A cortar estes matarruanos todos à postas até ao parque de estacionamento? E se levasse as postas para casa e desse um belo de um churrascão para a família toda no próximo fim-de-semana?” Ora aqui está uma bela ideia para um filme!”.  E assim foi. Pediu financiamento a uma empresa que mais tarde se veio a revelar ser propriedade da Máfia, juntou um corajoso elenco e equipa e foram para o interior do Texas filmar o primeiro Texas Chainsaw Massacre.

Se há algo mais assustador do que o primeiro massacre de motosserra do Texas é a história da sua filmagem. Desde dedos cortados porque os efeitos especiais não funcionavam até membros da equipa a desmaiar porque o fedor a carne podre nas filmagens de interiores era intolerável. Isto já para não falar da questão do financiamento e dos direitos do filme naquele imbróglio todo do financiamento da Máfia e das subsequentes acções judiciais, tempos em que o jovem Tobe temeu pela vida ao lhe ser proposta uma “soneca com os peixinhos”.

Apesar de todo o aparato e trauma, o resultado foi um dos melhores filmes de terror de sempre. Texas Chainsaw Massacre é um filme cru, visceral, claustrofóbico e desconfortável. Carregado de instintos primitivos como a sobrevivência e o libido, os seres humanos despojados das suas máscaras. Tirando, claro, Leatherface e a sua máscara de pele humana.

Ainda hoje é um filme aterrador e imersivo. Apesar da introdução desonesta (“baseado em eventos reais, blá blá…), torna-se rapidamente numa experiência cinematográfica que ninguém poderá esquecer, seja hoje na sala de estar com uma versão FullHD sacada da net ou em 1974, na sessão da  meia noite num cinema dos Restauradores.

Para que se perceba a gravidade de algumas cenas, este filme foi banido em muitos mercados, sendo que apenas esta década foi aprovado para distribuição na Alemanha com algumas restrições. Em 1974 teve que ser distribuído como Unrated para não obter a temível qualificação de X-Rated. São pequenos pormenores destes que fazem um filme de culto. All Hail!

Era esta a filosofia do cinema de terror do início dos anos 70, o medo, o horror. Passados 12 anos, resolvidos os problemas com a Máfia e já com os testículos livres de ameaças, Tobe Hooper voltou para a continuação de Texas Chainsaw Massacre, o único filme do universo TCM que é directamente relacionado com o original.

Anos 80, Texas. Um nova geração de cinema de terror. Em meados dos anos 80 o cinema de terror era directamente baseado na filosofia “Rock’n Roll all night and party every day” e tudo era caleidoscópico e multicolor, saído de uma alucinação LSD. One liners e chicos espertos, roupas coloridas, chapéus com palhinhas e sítio para colocar as latas de cerveja, jovens vintões de farta bigodaça, carros descapotáveis conduzidos por clones de Tom Cruise e, mais importante, noviças pernaltudas a respirar erotismo com calções de ganga microscópicos. É nesta categoria que se insere Stretch, uma DJ de uma estação de rádio Rock’n Roll com aspirações a jornalista a sério, ainda que nunca abdicando do micro calção a fazer denotar os limites do (glorioso) grande nadegueiro e a camisa atada a mostrar o umbigo.

Neste aparatoso background Technicolor aparece também Dennis Hopper, tenente em busca de vingança familiar com uma relação de amor / ódio com motosserras. E em todos os aspectos esta “sequela” amplia exponencialmente tudo o que caracterizou o primeiro tomo de Leatherface e a sua família canibal.

O problema é que, tal como um altifalante velho, mesmo a boa música distorce ao ser amplificada e o resultado não é necessariamente bom. É, digamos, diferente. Um filme que deve ser visto num acto de pura curiosidade. Os condimentos dos anos 80, para quem gosta. Espampanante e ruidoso. Cenários sobrecarregados, o excesso da ostentação texana e motosserras a mais para sangue a menos.

Não será certamente o filme das nossas vidas, mas invoca saudades do glorioso tempo dos videoclubes e das cassetes VHS. De realçar que tanto a versão Bluray do original como da continuação engrandecem as obras, com os aspect ratios originais, as cores vívidas do celuloide e o som HD para se diferenciar o grito de quem é violado do grito de quem é trespassado violentamente por um motosserra.

E com isto vos deixo. Ide em paz e assim.

Se há coisa que enfada é quando aqueles paneleiros que passam a vida a ver reality shows, programas de apanhados diários na SIC, 3 horas diárias de Facebook e meia dúzia de jogos de futebol ao fim de semana chegam junto de mim e dizem “Sinceramente, não sei como tens tempo para ver filmes, deves mesmo ser um traste desocupado. Eu mal tenho tempo para me coçar.” Normalmente opto por um sorriso e um fuga rápida para não me chatear, porque a malta com este perfil psicológico é problemática, com capacidades aperfeiçoadas de indução de culpa e geneticamente seleccionados para a peixeirada. Mas não é de bestuntos que vos vou falar, é de gestão de tempo. E falo-vos da minha experiência pessoal e dos objectivos a que me proponho.

O 1º objectivo que vos trago hoje é: Deixar  de ver TV! (tchan)

Quando a televisão, com os seus protocolos de transmissão, equipamentos e estratégia de marketing foram inventados, o intuito era oferecer uma experiência de cinema, trazer para casa uma pequena percentagem daquilo que se vive nos espectáculos das grandes salas. As pessoas queriam ter em casa um pouco da magia do cinema. Com o tempo a televisão foi evoluindo e a sua orientação estratégica foi lavar o cérebro aos seus telespectadores fazendo-os acreditar que ver televisão poderia ser uma opção de primeira escolha, e não uma alternativa. Criou um catálogo imenso de vício que, qual distribuidor de opiácidos, se preocupa mais em manter as pessoas à frente dos seus ecrans do que em fornecer produtos de boa qualidade. A estratégia tem sempre uma agenda escondida, vender, modelar, fazer as pessoas usarem as mesmas vitolas, os mesmos gostos. A produção em massa dá um lucro muito maior. Vender camisolas de todas as cores exige centenas de métodos de fabricação, diversidade de técnicas e profissionais que em nada ajuda a lucrar. Se todos gostarem de camisolas verdes, aí sim, aí a conversa é outra. Uma única megafábrica, capaz de produzir 50 milhões de camisolas verdes por dia, economia de escala, lucros astronómicos. É isso que nos faz a televisão, faz-nos apontar o dedo em escárnio a todos os que fogem da norma que ela ensina. Aqueles que não gostam de telenovelas e não se alarmam com o jornal das 8. Aqueles que não conhecem as publicidades da moda, aqueles que se atrevem a ir mijar fora dos intervalos.

Este ponto é o mais importante e é responsável por 90% do tempo ganho. Cortar na TV é como arranjar uma segunda vida. Os dias passam a ter 36 horas. Liberdade até perder de vista. Até há dias em que podemos ir dormir uma ou duas horas mais cedo sem nos preocuparmos com a Jurema e Elineide e os seus namorados gémeos siameses presos por um testículo que só se conheceram aos 26 anos.

Se tiverem um serviço de gravação, percorram uma vez por semana os canais em que passam filmes e gravem 2 ou 3. Não se preocupem se um filme menos prioritário passar para trás, eles repetem eternamente. Deixem de ver séries de TV. Não todas, mantenham uma ou duas para alimentar vícios antigos, não peguem em séries futuras. Não acreditem em amigos que vos convencem a ver alguma série nova, com os seus olhos vermelhos de sangue e espuma no canto da boca. Às vezes o que eles querem dizer é “Por favor, sê miserável como eu. O CSI Santa Comba Dão é uma série verdadeiramente original. Tens que ver. Vê! Ordeno-te que pares tudo o que estás a fazer e vejas TV. VÊ TV. CÃO! Ajoelha-te perante o nosso deus. Adora a sua magnificência, inala as suas ondas. Dá graças por seres um escolhido. Mata a tua família e queima a casa. Junta-te a nós.“

2º Objectivo: Facebook.

Um excelente canal de confraternização e meter algumas amizades em dia, mas 30  minutos diários chegam para fazer o stalking diário às ex-namoradas e esgalhar o pessegueiro com as fotos em bikini da vizinha do 4º esquerdo. Mais um quarto de hora opcional para ler uns artigos de links que achem relevantes. Deixem de fora tudo o que seja Correio da Manhã, cobras que comeram uma vaca inteira, artigos de opinião que tenham alguma personalidade de governo no título, frases feitas para levantar a auto-estima de aventesmas, fotografias “Olhem para mim como sou espectacular e o meu modo de vida é invejado por todos” e fotos com marca d’água de pessoas a dançar em discotecas em elevado estado de alcoolemia prestes a serem violadas em grupo ou raptadas para tráfico de órgãos.

Existe uma aplicação para iOS e Android excelente para fazer browing no Facebook e no Twitter. Chama-se Flipboard. Assim que façamos a ligação às nossas contas, cria uma espécie de revista que podemos folhear rapidamente com todas as fotos, videos, links e macacadas de chico espertos. É grátis. Se forem pobres e tiverem um Nokia 3310 considerem-se livres de todos os males do mundo, abençoados por não sentirem este apelo de Satanás.

Acima de tudo, vejam cinema porque hoje em dia, para o bem ou para o mal, têm acesso a um acervo praticamente infinito que os cinéfilos que viveram enfiados nos clubes de vídeo os anos  80 e 90 matariam para ter. E não estou a inventar. Se me viessem falar desta “Internet dos filmes” em 1988 ou 1989 eu venderia a minha avó pelo acesso a isto. Envenenaria todos os poços, rios e riachos, matava o gado durante a noite e abafava o pároco  para pendurar no pelourinho do centro da aldeia numa cruz invertida em chamas. E esta malta a ver a SIC…

Para aqueles que não perceberam, porque não leram, porque não conseguem visualizar este flagelo, deixo-vos uma analogia.

Televisão:

Cinema:

* Disclaimer: obviamente que “kill your television” não estou a pedir para pegarem em equipamento de demolição e destruam o vosso rico aparelho de TV que tanto vos custou a pagar. Falo, obviamente, de boicotar os canais de TV mais mercantis, a começar pelos generalistas nacionais e a por aí fora, por grau decrescente de perfídia.

Quando era um jovem a morar em casa dos meus pais fui à padaria comprar dez bicos e um pão de meio quilo. Umas vizinhas que estavam à minha frente falavam da morte de dois homens na semana anterior. Dois homens que morreram num acidente bizarro em condições aparentemente inexplicáveis. Dizia uma delas “Eles iam a discutir porque um deles andava amigado com a mulher do outro. Então ele meteu-lhe as mãos aos colarinhos e disse “Eu mato-te, miserável, eu mato-te!” e foi esta luta que os fez capotar e morrer”. Todas as outras senhoras ficaram num choque silencioso, horrorizadas com a tragédia que tinha bafejado morte e angústia na nossa aldeia. Eu tive que perguntar onde é que ela ouviu tal disparate, uma vez que as únicas pessoas que lhe poderiam ter contado sofreram morte imediata nesse acidente. No dia seguinte foi dizer à minha mãe que me tinha visto a fumar com uns drogados, em vez de estar nas aulas.

Um plot hole é uma falha na consistência da narrativa que inviabiliza por completo lógica do filme desse ponto em diante. São contradições que podem ser suaves ou graves. Imaginem um filme em que um tipo diz que tem prisão de ventre há 10 anos. De repente um flashback de há 5 anos e há uma cena em que ele sai da casa de banho depois de uma farta e fumarenta cagada. Isto é um plot hole levezinho. O realizador pode alegar que ele era mentiroso e inventou a parte da prisão de ventre. Como tudo no cinema (e na Internet) é algo que facilmente gera inflamadas discussões de fazer rebentar uma veia na testa. Há, no entanto, plotholes de tal gravidade que o simples facto de se ter conhecimento dele leva a que se encare um filme de maneira diferente daí em frente.

Os plot holes podem ser de 3 tipos, conforme os nossos dedicados amigos do site http://www.movieplotholes.com/ tiveram a gentileza de recriar em gráfico que publico aqui sem autorização. Chamem a polícia, se isso vos incomoda.

O plothole que vos vou falar hoje é de Citizen Kane, esse filme que já foi várias vezes considerado o melhor de todos os filmes. É indiscutivelmente um filme importante, seja pelo uso de grandes profundidades de campo para criar 3 planos de representação em simultâneo, seja pelo ângulos de câmara que ajudam a revelar a importância e personalidade dos personagens em cena, seja porque foi dos primeiros a incorporar um estilo de representação menos teatral e mais próximo daquilo que chamamos a “vida real”, algumas técnicas novas em trabalho de câmara e efeitos especiais ou uma narrativa não linear a fugir à simplicidade que era comum na altura (e ainda é hoje).

Se já o viram sabem do que se trata. Um homem velho e poderoso que tinha tudo morre sozinho e abandonado. A última palavra que diz é “Rosebud” e é esta a expressão que vai catalizar todo a narrativa, com a malta toda à procura do significado de tão enigmática última palavra.

A demanda pelo significado de Rosebud é grandiosa. É, basicamente, o filme. É aqui nesta procura pela verdade que sabemos a história do nosso falecido herói, os vários níveis de cinzento das personalidades e da desgraça que acompanhava aquele homem para onde quer que fosse. O problema, caros amigos que ainda não desistiram de ler este texto, é que ninguém estava com o velho e acabado Kane à altura da sua morte. A cena inicial é simples. Um homem com um globo de vidro na mão. Diz “Rosebud” e deixa cair o globo. O globo quebra-se e o poderoso Kane morre. Entra uma enfermeira, constata a morte e fim de cena. Está aqui, vejam com os vossos próprios olhos.

Mais tarde, no filme, o mordomo dele diz algures numa conversa algo como “He just said “Rosebud” and then he dropped that glass ball and it broke on the floor.” O problema é que esta fala foi lá enfiada a martelo depois de alguém ter chamado a atenção a Orson Welles algo como “Olha lá, caralho, então esta merda toda é à procura de uma palavra que ninguém ouviu? O velho estava sozinho no quarto, como é que as pessoas conhecem as suas últimas palavras? Isso é que me saíste um belo vacão. Se não fosses filho do meu primo Alcindo Welles  que me emprestou dinheiro para criar a empresa de produção, já te tinha posto no barco para Karalhomandu.”

Não me vou armar aqui em Sherlock Holmes do buracos de argumento, porque não reparei na altura em que o vi. Nem nesse nem em tantos outros. Assim como outras pessoas que não obcecam demasiado com os filmes. Mas vá, o importante é que ninguém se magoe.

Há medida que me sinto mais desiludido com o cinema que nos chega às salas e ao subsequente monopólio de uma única empresa de distribuição que nos impõe a sua estratégia de marketing (ao invés de bom cinema), vou deixando de ver cinema mainstream contemporâneo. Mas de tempos a tempos, como qualquer outro humanóide, apanho o autocarro das sugestões das revistas e dos blogs populistas e vejo um filme destes. O problema é que cada vez que vemos um filme mau um gatinho morre ao ser sodomizado por um cavalo e se não for tomada uma decisão de acabar com este flagelo do cinema mercenário, o único sítio onde vamos ter gatinhos será nos powerpoints que nos mandam as nossas tias e aquelas amigas que ainda não descobriram a satisfação do African King (pilhas incluídas).

Deste vez foi Flight. Realizado pelo realizador mais inócuo de toda a eternidade. Robert Zemeckis, não é o preferido de ninguém mas também ninguém odeia. Cada vez que sai um filme dele dizemos “Ah, olha. Robert Zemeckis. Já me tinha esquecido dele.” Sim, é verdade que realizou Back to the Future, Romancing the Stone ou Roger Rabbit e mais uns quantos blockbusters, mas nunca se desenvolveu muito, nunca atingiu aquilo que se esperava dele. Recordo-vos que em tempos foi apelidado de jovem Lucas ou Spielberg. Depois lembro-me desta capa de uma Newsweek do início do século e farto-me de rir sozinho, como um daqueles senhores que vai dar milho aos pombos, nas estações subterrâneas do metro de Coimbra.

Denzel Washington é, também, um ódio pessoal. Apesar de todo o circo mediático que lhe massaja constantemente o ego elevando farsolas artísticas a “catalisador emocional altamente versátil”, a verdade é que este pulha só fez um personagem em toda a sua vida. Personagem esse que usa em todos os filmes. Questões raciais de lado, Denzel assume-se sempre como um negro ligeiramente descontextualizado, como se tivesse vergonha da sua herança afro-americana e quisesse ser um branco cujos ancestrais tivessem longos pastos de cabras nos férteis planaltos anglo-saxónicos na Europa central do século XVIII. Dá ideia que o seu pincel da censura tenta apagar todo e quaisquer vestígio de herança cultural negra. Não digo que o metam a comer frango frito com sumo de uva e melancia à sobremesa, mas tal como eu nunca irei conseguir tirar as raízes labregas do meu código genético, nem que chegue a presidente do planeta, também uma homenagem àqueles que sofreram os horrores da perseguição, xenofobia e injustiça seria apreciada. Ele parece racista contra os negros nas suas opções artísticas, só isso.

E em que ponto é que Flight é um filme horrível? Devemos começar pela sua estratégia de marketing, que é aquilo que nos ajuda a decidir que filmes ver. Flight é apresentado ao seu público potencial como um mistério, um thriller. Um voo que corre muito mal e o avião despenha-se. No trailer ficamos com a ideia de que algum mistério, sobrenatural ou conspiratório, é responsável pela queda daquele avião e somos levados a acreditar que vamos ver um filme acerca de uma investigação de um acidente que nos reserva surpresas a cada curva. Infelizmente a única surpresa que nos reserva é o amargo sabor da desilusão.

Não me queixo de ver Nadine Velazquez nua, até porque desde My Name is Earl me pergunto como será aquele corpaço por debaixo da indumentária minimalista que vestia. O certo é que Nadine Velazquez nua e o efeitos especiais do acidente foram os pontas de lança para arrastarem a malta às salas, numa táctica desonesta conhecida como “saca-euros”.

A verdadeira cara de Flight é uma tentativa de veículo de Oscar para Denzel Washington, retratando a descida aos infernos de um piloto alcoólico/drogado apanhado com a boca na botija. Quiseram fazer um típico “desgraçadinho dos Oscars”, que a academia tanto gosta. Um homem que cai num pesadelo sem fim, decadente, sem amor próprio, sempre com o lábio superior ligeiramente flectido como se estivesse constantemente prestes a chorar. Daí terem usado os subterfúgios desleais, na esperança de que as pessoas dissessem que não era bem aquilo que estava à espera, mas se emocionaram com a odisseia das trevas em que o confiante Denzel se enfiou, e não estou a falar da genitália de Nadine Velazquez.

Não sei qual era o objectivo do filme, mas aquilo que senti foi uma completa falta de empatia com o personagem e a sua situação. Há falta de direcção, não há objectivos bem definidos. Só queria que acabasse rápido e o mais doloroso possível. Queria que Denzel fosse atropelado numa passadeira antes dos 60 minutos. Que fosse electrocutado no banho, que ficasse com a gaita entalada numa torradeira. Qualquer coisa que acelerasse o processo. Robert Zemeckis mostra-nos um trajecto biográfico de um homem caído em desgraça sem nunca se perceber muito bem o que se pretende, quais as motivações dos personagens, qual a moral da história. O final é igualmente ridículo e inverosímil, mesmo se se tratasse de um filme da Sininho ou do Cinderela 7.

Pelo lado positivo resta-me elogiar publicamente os belos pares de mamas que o casting escolheu. Ao contrário de Denzel e todo o seu entourage macho man, os personagens femininos estiveram em alta, se bem que a elevada taxa de mortalidadee violência doméstica  neste target demográfico é alarmante.

Moral da história: se querem ver o filme apenas pelos 10 segundos de mamas de alguma das vossas actrizes preferidas, procurem o gif animado no Tumblr e ganha duas horas de vida que podem gastar noutra inutilidade à vossa escolha.

Como não gosto de desiludir ninguém (excepto as pessoas que amo), deixo aqui as imagens da Nadine em pelota. É clicar para ampliar. Clicar nas fotos. Ampliar a pichota. (estas últimas frases devem ser lidas em estilo hip hop).

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O filme de aventuras tem sido um género bastante maltratado nos últimos tempos. Vítima da complacência intelectual que não arrisca narrativas mais ousadas para os projectos mainstream, os filmes de aventuras dos últimos dez anos apostam tudo nos efeitos especiais, perseguições automóveis e nas explosões deixando de parte a intriga e suspense narrativo. O medo atrás de cada porta, o desconhecido, a mais completa imprevisibilidade. São os elementos eliminados em troca do conforto do template narrativo e dos efeitos especiais higienizados digitalmente. Mas tempos houve, meus pequenos amigos, tempos houve em que o filme de aventuras era o rei das salas, o catalizador de sonhos adolescentes, o que nos fazia suportar a horribilidade dos tempos. Falo-vos hoje do maior entre os maiores, Jack Burton e os seus grandes problemas em Chinatown.

Big Trouble in Little China é o último filme que John Carpenter fez para os grandes estúdios, a sua derradeira colaboração com o grande capital e o mainstream. Ainda assim a liberdade criativa foi imensa, como se facilmente constatar fazendo uma simples pesquisa de imagens ou no Youtube. Carpenter livrou-se dos grilhões restritivos das “Leis da Física” e do “Senso Comum” e criou uma explosão alucinogénica, um caldeirão em que mistura o anti-herói desbocado especialista em oneliners que faz tudo para recuperar o amor da sua vida (o seu camião), magia chinesa, criaturas dos infernos, vampiros orientais, super-humanos das artes marciais, rituais satânico, lutas de gangs rivais, o sobrenatural e o metafísico, o saber aceitar o destino e o final mais fulminante e assertivo de que há memória.

Numa época de Indiana Jones, Allan Quatermains, Jack Coltons ou Buckaroo Banzais, Jack Burton excedeu as nossas expectativas sendo tudo o que tinha sido visto até à altura e muito mais. Não fosse Carpenter ter-se chateado com o patronato, decerto que ainda hoje esta haveria de ser considerada uma das melhores trilogias de história da sétima arte (em todas as 8 dimensões). Ainda hoje continua a ser um bom filme e Jack Burton personifica o americano típico com excesso de autoconfiança e carência intelectual, o soldado perfeito.

Um dos melhores filmes de todos os tempos foi ainda a pior vítima das traduções da História dos horríveis títulos portugueses. O trocadilho engraçado “Big Trouble in Little China” levou um horroroso “Jack Burton nas garras do Mandarim”, um título que além de não trazer mais valias em termos de marketing também não faz sentido absolutamente nenhum. Um mandarim tem vários significados, pode ser uma dos dialectos chineses mais usados, um funcionário público chinês (um chefe de divisão na hierarquia portuguesa pós-PREC) ou, o meu preferido, um pudim Flan instantâneo de grande sucesso nos anos 80 e 90. Flan Chino el Mandarim, o imperador dos pudins importados. Ora, em tempo algum se viu Jack Burton retido nas garras de um pudim, enrascado para o exame de Mandarim ou aprisionado por um chefe de secção chinês, até porque todo o filme se passa na esfera dos empresários da iniciativa privada, import/export maioritariamente.

Aqueles que entraram no submundo da sétima arte no início dos anos 80, como este vosso estragado escriba, aprenderam a odiar com todo o seu ser os Westerns, ou “filmes de cóboys” como eram conhecidos na altura. A razão para tal é o facto de este género ser o preferido da geração anterior, e os teenagers rebeldes dos anos 80, queimados de tanto ouvir Sigue Sigue Sputnik e jogar Manic Miner no ZX Spectrum não queriam saber dos filmes que a velhada gostava. No desfecho dos anos 70 e da sua debochada espampanância alucinogénica, os filhos dos anos 80 só queriam saber de ficção científica, batalhas espaciais, universos alternativos, ultra-violência, pornografia e action heroes de forças sobrenatural (Tendo como templates Rambo e Commando). Os seus pais insistiam com Bonanza e Ben-Hur e os pirralhos mimados, mal educados como qualquer puto ranhoso que se preze, zombavam das boas intenções dos seus progenitores. E assim continuou esta imbecilidade, até aqueles que se mantiveram constantes na cinéfila cresceram até aos quase quarenta anos (que lhes assombram os pesadelos). Sim, somos agora os velhos e algumas ilações devemos tirar dos nossos erros passados.

Acontece que por meados dos anos 90 os Westerns tiveram uma nova vaga de sucesso. Deu-se um dos maiores milagres dos últimos 30 anos, a transformação de um actor tijolão monodimensional num dos melhores realizadores da actualidade. Clint Eastwood, ainda na posse de toda as suas faculdades mentais, revisita o género que o viu crescer e um sem número de produções volta a inundar os nossos cinemas de pistoleiros irredutíveis mais rápidos que a própria sombra e capazes de acender um fósforo naquela barba de 3 dias capaz de humedecer a vulva de modo fulminante a qualquer noviça casadoira. Unforgiven, Dances with Wolves, Tombstone, Desperado, The Last of the Mohicans, Buffalo Soldiers e depois os crossovers com outros géneros, os steampunks, os retro-futuros e vice versa, protagonizados por mulheres, crianças ou mesmo cavalos. Bem, uma festa. Desde From Dusk Till Dawn até Wild Wild West passando pelo Vampires de John Carpenter, foi um comboio que começou aí e nunca mais parou. A avaliar por Django Unchained ou True Grit, dá ideia que a onda está para continuar, apesar de se prever uma ligeira curva ao Western Spaguetti no futuro, graças à perseverança de Tarantino. All Of This Has Happened Before And Will Happen Again Style…

E nós, os trintões que odeiam westerns, pensámos “Bem, se calhar vamos lá dar uma segunda oportunidade a estas coboiadas. Já parece mal esta embirração.”. E assim começámos a ver em ordem inversa. Primeiro os dos anos 90, depois alguns spin-offs (que até já tínhamos visto) dos Westerns slapstick do final do Spaguetti e do reinado dos Leones, depois entrámos pelo Spaguetti adentro. Vimos os mais conceituados e alguns jovens mais corajosos fizeram o circuito todo, como o Pedro Pereira, por exemplo. E então fomos à tradição americana do Western, dos mais negros aos mais joviais, da galhofa de Mel Brooks em Blazing Sadles à seriedade de John Wayne. The Searchers, filme obrigatório, duro e multi-camada.

Este “My Name Is Nobody” é um marco no género, uma vez que é o último western de Henry Fonda e é onde a seriedade dá lugar ao registo mais cómico que viria a marcar os anos seguintes. E Terence Hill faz o seu registo Trinità, um herói rápido e mortal sem grandes ambições profissionais e Henry Fonda que interpreta um papel com paralelo na sua própria vida, a reformar-se desta algazarra dos tiroteios. Violento, humorístico e descomplexado como só os italianos sabem fazer.

Juntamente com a filmografia de Sergio Leone e John Ford, é um daqueles filmes que o meu pai me falava e que eu desprezava. Ele tinha razão, quando me via a consumir entretenimento de qualidade questionável e dizia que tinha que ver uns filmes do tempo dele. Meu Deus, ele sempre teve razão em tudo… Eu espero sinceramente que não leia isto, porque até hoje não tive coragem de admitir tal coisa. Hei-de um dia engolir meia dúzia de sapos e falar-lhe nisso. Talvez o faça até nas tardes da Júlia, vestindo para o efeito umas calças justas de licra que tornem proeminente a minha vasta testicularia.

Adenda: O filme não é perfeito. A combinação de slapstick com a narrativa western tradicional às vezes não encaixa bem, os motivos do Nobody nunca são suficiente claros, o Henry Fonda passa o tempo todo em despedida nostálgica e o final é apressado (e tolo) seguido de uma longa despedida (talvez demasiado longa) em voz off. Mas foi o primeiro spaghetti que vi em Bluray e tive aquela sensação que tinha quando os via nos cinemas (de praia, no verão). Aqueles tipos sabiam filmar. As cores são quentes e ricas, a expressões faciais dos personagens são ricas e bem iluminadas, o aproveitamento dos espaços exteriores é superior, o trabalho de câmara é criativo, a acção é desenfreada, a cinematografia é gloriosa e as bandas sonoras são sobejamente reconhecidas como “as melhores”. E que o digam os Metallica e o Tarantino.

Adenda adicionada em 02-02-2013 ás 11:18

Uma das maiores queixas que algumas minorias têm feito em relação à trilogia Lord of the Rings (e subsequente spin-off The Hobbit) é a existência apenas de actores brancos. É certo que há anões, humanos, elfos, orcs, trolls, bog, ents e um sem fim de bichagem multicultural no contexto da terra média, mas são todos interpretados por caucasianos. No seguimento desta pungente discriminação, um grupo multicultural, multi-étnico (sem ciganos nem chineses) decidiu fazer um recasting dos principais personagens com actores negros. Deixo-vos aqui algumas provas de conceito. Enjoy y’all! (galeria está a seguir ao “read more”).

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http://playmatehunter.com/playboys-playmate-index

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