Desde 24 de Junho de 2003
A Universal teve nos anos 30 a primeira vaga de cinema de terror comercial com direito a estrelas, sequelas, prequelas, spinoffs e a tudo a que hoje se designou chamar de “cinematic universe”. Deixo-vos alguns posters para os relançamentos em cópias restauradas que deverão começar a acontecer a partir do final de 2015
Apesar de nunca ter sido grande fã de Tom Cruise, várias são as vezes que admito publicamente que é o actor que melhor gere a sua carreira. Tanto pela escolha como pelo papel de produção que desempenha quase sempre para garantir que as coisas correm como planeado, ou pelo menos como ele planeou. Este último Mission Impossible acabou por ser mais fraquinho que os outros, sendo ainda assim um blockbuster acima da média. Não por ser um bom filme, mas porque a média é baixa. E posto isto de parte queria falar-vos na nova tendência de investimento de dinheiros chineses em blockbusters. Reparei que Mission Impossible 5 foi produzido pelo China Movie Channel e pelo Alibaba Movies. Ora, não tenho nada contra as co-produções, sendo uma estratégia muito usada na Europa para unir esforços em pequenas produções para criar obras maiores, que de outra maneira não teriam possibilidade de existir. Com os blockbusters a conversa é outra. O próprio conceito de negócio é maximizar o lucro, vender produtos em paralelo e espalhar ideologias. O blockbuster americano já é um género muito condicionado em temas que pode abordar porque tem que abranger uma gama imensa de público para fazer dinheiro. Nos Estados Unidos são inúmeros os tabus, sejam religiosos, políticos ou morais. Todos sabemos quais são porque vimos blockbusters desde a nascença. Imaginem agora um pequeno exercício matemática de grupos, em que interceptamos os tabus americanos com os chineses e ficamos com uma lista ainda maior de tabus. Se mais um ou outra cultura quiser também investir (muçulmanos, indianos, tailandeses, etc) o âmbito de coisas a abordar tende para zero. Fiz-vos uns gráficos para elucidar a questão.
John Wayne corta um bolo para celebrar 40 anos a fazer cinema. A foto foi tirada na estreia de True Grit (1969), realizado por Henry Hathaway e protagonizado pelo próprio Duke. A acompanhar a lenda estavam Lee Marvin, Clint Eastwood, Rock Hudson, Fred MacMurray, John Wayne, James Stewart, Ernest Borgnine, Michael Caine e Lawrence Harvey. No bolo está escrito “The Big Trial -1929” de Raoul Walsh, o seu primeiro filme como protagonista e “True Grit – 1969”. Curiosamente True Grit valeu-lhe o único Oscar da carreira, uma espécie de Lifetime Achievement Award.
Todas as mulheres heterosexuais tiveram que ser mantidas a mais de 1000 metros de distância sob o risco de se incendiarem e desintegrarem perante tal massa crítica de virilidade. Ainda assim centenas de moradoras das redondezas apareceram grávidas sem nunca terem provado o fruto do coito.
Há cerca de duas dezenas de anos saiu uma NewsWeek cuja capa é hoje motivo de chacota em todo lado que se fala de cinema. Dizia “M. Night Shyamanigans: Next Spielberg”. É verdade, procurem no google. Hoje isto pode soar a exagero, mas na altura tinha algum fundamento. M. Night Shimantics tinha acabado de realizar Sixth Sense e meio mundo tremia orgasmicamente perante aquele fim. Uau, carago, U-A-U! Este homem estava preparado para tomar o planeta de assalto. Ainda realizou Unbreakable com algum fulgor e começou a perder gás com Signs. Toda a gente queria gostar daquele filme, mas era merda. Já o gajo vivia do twist. “Ai ó pá, o twist”. Depois saiu Village e por esta altura já toda a gente se preocupava mais em procurar o caralho do twist do que ver o filme com atenção. Aliás, Midnight Shynanigans é provavelmente o assassino do twist narrativo em cinema. Já parece mal dizer twist, parece uma artimanha manhosa como dream sequence ou deus ex-machina. Mas não é, o twist tem arte e se procurarem há belas lista de frondosos filmes com twist. Agora chamam-lhe “reveal” para não se confundirem com a escumalha dos twist. Ora, a carreira do nosso amigo indian-american haveria de ver dias terríveis. The Lady in the Water, The Happening, The Last Airbender e After Earth arrastaram-no para a lista dos “realizadores putéfia“, os chamados tarefeiros. Bem pagos, grandes orçamento, o habitual freakshow ambulante que é a promoção de blockbusters. Porém o nosso amiguinho castanho-claro acabava as noites a chorar em posição fetal. “Valha-me Shiva e Ganesha. Tanto talento desperdiçado, meus deuses!” pensava. E com razão. O controlo artístico era-lhe completamente removido. Muito glamour, é verdade. Mas os filmes eram hediondos e o seu rabo latejava constantemente pela sodomia corporativa de que padecia diariamente.
Mad Max foi um low budget (a fugir para o No Budget) que se transformou num sucesso internacional a quebrar todos os records do cinema australiano e a fazer de George Miller um mestre artesão. A dinâmica das filmagens foi uma das principais razões do sucesso, a sensação de “estar lá” no meio da acção. Isto só foi possível graças a uma equipa de cameramans com nervos de aço e testículos de titânio , como se pode ver na imagem de cima. Coloco aqui também a cena completa onde foi usada esta audaz filmagem.
Conjunto de posters para sequelas que nunca foram filmadas ou sequer planeadas, mas que nos dão vontade que pudessem existir.
Como profundo admirador de artes alternativas, realidades paralelas, mashups, “what ifs” e afins não posso deixar de partilhar alguns posters para grandes êxitos do momentos refeitos no passado. É certo que este tipo de posters não são nenhuma novidade, mas este lote é especialmente perspicaz no casting. Só o facto de se terem lembrado dos obscuros êxitos pós-apocalípticos spaguetti de Fred Williamson já valeu a pena o espaço em disco e os 13 segundos de vida que perdem a passar aqui os olhos na diagonal. Além disso são todos, como dizem os jovens na Internet, “spot on”.
O making of de uma cena icónica de Ghostbusters em que os técnicos de efeitos especiais aproveitam para acariciar as rijas carnes de Sigourney Weaver. Correu um rumor na Internet de que o gajo que lhe apertou uma mama era o marido dela. Não me parece, no entanto, que aquele meia leca penteado como um vendedor de automóveis fosse capaz de controlar esta toura endiabrada.
Uma das polaroids de continuidade de The Shining. Neste caso era usado para garantir que a cena continha os mesmos elementos e que estavam na mesma posição quando se retomava a filmagem no dia seguinte. A indicação aqui é que se deva retirar aquela caneca branca. Jack Nicholson, como sempre, em forma. E Kubrick, como sempre, à beira de um enfarto do miocárdio.
Cinéfilos mais atentos já devem ter-se deparado com cenas de insinuação sexual, violência ou moral debochada em filmes antigos e terão perguntado a si próprios “como é isto possível num filme de 1929?“. No inicio dos anos 30 a famosa MPAA achou que havia algum descontrolo por parte das produções de cinema dos estúdios de Hollywood. Demasiado sexo, profanidade, álcool e violência.Um horror! Um dia, enquanto snifava cocaína das costas de um escravo tailandês e era oralmente aliviado por duas prostitutas menores, um director da MPAA terá decidido criar um código de conduta e ética de referência obrigatória. Havia de se acabar com os exageros dos filmes. “Coxas? Ligas à vista? Fumar e beber? Não, não…“, vociferava o director da MPAA nos eventos de “tiro ao negro” organizados pelos colegas do KKK. “Isto há-de acabar. E é já!“. E foi nessa noite, depois de um jantar de bifinhos de Panda e creme de golfinho, que decidiu escrever o código que haveria de mutilar irreversivelmente a criatividade de Hollywood.
Antes que o remake nos venha violar novamente as memórias do belo cinema que nos fez ficar colados para sempre aos anos 80, fica este belo snapshot com o mestre dos mestres e o seu mandarim que haveria de dar nome à tradução portuguesa do título do filme, que era “Jack Burton nas Garras do Mandarim”. O título original todos sabemos qual é.
A galeria Spoke Art de São Francisco reuniu em 2014 os seus mais cinéfilos colaboradores para uma exposição dedicada ao mestre absoluto de todas as coisas. O resultado é o sonho húmido de qualquer fã que não hesitaria mudar a decoração da sala com este lote. Arrancando no processo todas as fotos das crianças, do casamento, daquelas férias em Albufeira na casa do primo emigrante e os detestáveis bibelots que os familiares mais desprezíveis nos trazem como que para esfregar na cara em sinal de “sou mais bem sucedido que tu que ainda estás a pagar prestações do Fiat Punto“.
Citizen Kane foi um filme inovador a muitos níveis e continua ainda hoje a ser uma referência na escola do impacto visual da sétima arte. No entanto tenho falado com muito noviço que se recusa a vê-lo por uma miríade de razões, todas elas relacionadas com a omnisciência da juventude. Deixo aqui umas capturas para que possamos admirar o hipnótica mestria visual de um jovem estreante de 25 anos que viria a mudar o paradigma da cinefilia, criando ondas de choque que ainda hoje continuam a influenciar gerações inteiras de realizadores. Oremos.
O nosso paizinho Arnold Schwarzenegger mostra o recém adquirido certificado de cidadania Norte-Americana em 1983. Ao seu lado a sempre radiante Maria Shriver que mais tarde haveria de ser sua esposa e incorporar nos seus ovários as sementes dos descendentes de Crom.
Marilyn Monroe com 20 anos, a segunda a contar da esquerda. Na realidade ainda se chamava Norma Jeane Dougherty e estava a começar a sua carreira no show business com outras 4 modelos. 1946.
2015. Um homem dos tempos modernos, com infindáveis afazeres profissionais e domiciliários, precisa do ocasional relax. Não me refiro a desfolhar o jornal local e telefonar à Martinha Quarentona nova na cidade de peitinhos XXXXL e bumbum guloso. Refiro-me ao retiro ocasional num templo de meditação que é um cinema. Ora, numa dessas fugazes submersões no mundo alcatifado dos multiplexes encontrei um velho conhecido. O pai de um grande amigo que se reformara há meia década, um veterano da vida excitante das embaixadas e da intriga internacional. Apesar de ser uma pessoa com quem mantenho bastante contacto e até algum intercâmbio cultural, não o sabia cinéfilo. Faltava algum tempo para o filme e falámos um pouco acerca da cinefilia e das seus efeitos a médio e longo prazo. Familiarizado com mais de meio século de vagas cinematográficas, perguntei-lhe que filmes prefere ver. Os clássicos do existencialismo sueco de Ingmar Bergman? Os heróis da Nouvelle Vague que viu às escondidas no tempo de faculdade? A visão intemporal sobre a boémia decadência da civilização ocidental de Woody Allen? Os movie brats da Nova Hollywood? Fez-me uma cara feia, como quem chupa um limão, levanta as mãos e sorri com aquela cara de quem olha complacentemente para um atrasadinho. “Que horror, Pedro! Eu só vejo filmes de amor. Não preciso de mais nada nesta fase da minha vida, só romances e as conquistas do amor. Esse cenários exotéricos da ficção científica, o hiper realismo e essa violência toda são para os jovens que precisam de viver experiências para se desenvolverem. Eu estou mais perto da morte que da vida, só quero amor e finais felizes.” Arqueei as sobrancelhas e pensei “Caralho do velho tem razão e agora pareço um parolo do Toca Toca Béu Béu*…”
Há uns tempos escrevi o post “5 filmes tenebrosos para quem tem filhos” onde apresentei uma pequena amostra daqueles filmes que nos custa a ver a partir do momento em que pequenas e adoráveis criaturas criadas a partir do nosso material genético (opcionalmente) nos tomam conta do quotidiano. Filmes que antes se viam sem problemas mas que agora são difíceis de engolir porque a empatia é umas das características nucleares do que faz de nós humanos. Ora hoje venho falar-vos de algo ainda mais doloroso, filmes onde se matam crianças. Esta situação passava-me completamente ao lado quando não tinha filhos, afinal era mais alguém a morrer no meio de tantos que são apenas personagens de um filme, não é? Pois é! Mas a malta imiscui-se na trama e acaba por levar aquilo a peito, pelo menos enquanto o está a ver e depois de ter filhos é tramado. Para mim são particularmente dolorosos e mais vale um gajo falar das coisas que nos tiram o sono do que absorver tudo e passados uns anos atirar-se para baixo de um comboio ou levar meia procissão à frente com uma Kangoo a 120 km/h na festa da aldeia.
O assunto que aqui me traz é de grave transtorno. Uma negra tristeza que me percorre o sistema nervoso, suores frios nocturnos, a perda de esperança num mundo melhor. Faz semanas que vos quero falar disto, mas parece que se me forma uma bola na garganta que antecede um terrível camadão de nervos. O último Terminator não é grande coisa. É mau, uma obra que não mereceu a atenção merecida aquando da feitura. Uma facada no nosso imaginário e na nossa infância. Não é só o facto de ter trazido spoilers no trailer, é também a situação que retrata esse spoiler ser de um atraso mental que lhes valeria um taxa de IRS de 0% por invalidez total. John Connor é um Terminator, aliás, é o pior dos terminators. Mas como? Quando? Porquê? Que raios… Como é que isto foi acontecer? Não interessa. Pior que isto é o casting, que é terrível. É medonho. Andaram com uma espátula a raspar a zurrapa de Hollywood para nos matar os personagens que tanto amamos. Arnie, o nosso paizinho, é quem cola este acidente de comboio de filme. Faz o que pode, injecta-lhe amor e carinho, aquela quente sensação de um lar, e nas entrelinhas pede-nos desculpa porque gastámos dinheiro naquilo. Há que descobrir o culpado deste desastre e na minha opinião é o casting. Vamos lá analisar estas respas de bosta que encarregaram de protagonizar o nosso tão amado franchise.
Está agora a fazer um ano que empacotei os meus filhos e a minha esposa para casa dos meus sogros e fiquei sozinho durante uma semana. Vi-me num vazio rotineiro que tentei apressadamente preencher. Pegar na bicicleta e ir fazer aqueles passeios que tenho pendentes há anos, ir de mota à Figueira da Foz jantar com os amigos, começar finalmente a fazer jogging, fazer um barco com fósforos, resolver problemas eléctricos na garagem, alterar a combustível do condensador de fluxo (plutónio está caro) ou começar a escrever o tal livro… Depois de muito ponderar optei pela mais lógica: ficar deitado semi nú no sofá a ver filmes, com a migalhas na barriga e as mãos cheias de gordura de pizza, incapaz de colocar em pausa porque os comandos tinham entretanto desaparecido para o limbo dos comandos desaparecidos. Acordar todo torto na sala com o nascer do sol e uma poça de baba ao lado da almofada, sentir-me envergonhado por não aproveitar o tempo e deprimido demais para mudar de actividade. Inventar desculpas para a origem daquelas manchas de gordura no sofá. E com isto aproveitei para rever as sagas Dirty Harry e Death Wish. De seguida em formato maratona, coisa que nunca tinha feito. É esta experiência que aqui quero deixar, escolhendo para vós 3 de cada saga para que possam também organizar uma semana dedicada ao tema “Justiça à força de balázio”.
Viva amiguinhos! Para este primeiro parágrafo vou pedir-vos que fechem os olhos e me imaginem a descrever com doçura e paixão as memórias que tenho do primeiro Jurassic Park e como ele me moldou a mim e ao cinema em geral. Isto estando eu sentado num confortável sofá vintage com uma manta de patchwork em frente a uma farta biblioteca recheada da mais poderosa literatura do planeta. Alguns livros ainda embrulhados em celofano. Num dos cantos está uma lareira que crepita freneticamente aquecendo as minhas pernas nuas e a música de fundo é Ballade Pour Adeline de Richard Clayderman que aumenta de intensidade à medida que as minhas próprias memórias me obrigam a lacrimejar e a invocar aquela última vez em que a minha tia avó Natércia nos acompanhou ao cinema para ver… exactamente, Jurassic Park de 1993! E como toda esta narrativa enrola de modo inteligente no início do texto que se seguirá no segundo parágrafo. Continue reading
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